La √ļltima cena de Leonardo hoy

Al hilo de que en ¬ęMediaciones Culturales en las artes¬Ľ siempre insistimos en que debemos siempre mirar atr√°s para comprender en toda su extensi√≥n muchas de las manifestaciones art√≠sticas actuales que podr√≠an pasar desapercibidas. Y sobre todo, subrayamos la importancia que tiene pensar antes de hablar (criticar o simplemente dar nuestra opini√≥n sobre algo) para as√≠ huir de esa ¬ęilusi√≥n del saber inmediato¬Ľ de la que tanto hablara Bourdieu y que tanto asola hoy los medios de comunicaci√≥n actuales, en forma de tertulianos y opinadores de todo.

Pues ayer (martes 15) vimos en clase que obras eternas como ¬ęLa √öltima Cena¬Ľ (1494-1498) de Leonardo da Vinci son tambi√©n y por supuesto, iconos para la reivindicaci√≥n pol√≠tica y social que visibilizan las injusticias m√°s sangrantes y actuales. Los dos excelentes ejemplos de la acci√≥n reivindicativa del arte como acci√≥n transgresora de la mentes, son el cuadro de Joan Costa ¬ęSacra limpieza, el d√≠a despu√©s¬Ľ (iglesia de las Escuelas P√≠as de Gand√≠a) y la fotograf√≠a (impresi√≥n digital K3 sobre lienzo) de Vivek Vilasini ¬ę√öltima cena – Gaza¬Ľ, ambos de 2008.




Más información sobre estas obras:


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Miércoles, 15 de noviembre de 2017

Lenguaje-auditivo

Entrada realizada por Sergio Rueda Jiménez y publicada el 29 de septiembre de 2017 en su blog de trabajo.

Hace unas semanas fui al cine para ver la nueva pel√≠cula de Christopher Nolan, Dunkerque, (2017). Las expectativas que ten√≠a puestas en ella eran altas, pues todas las pel√≠culas de este autor me hab√≠an encantado. No fue una excepci√≥n y sal√≠ muy satisfecho de la funci√≥n, aunque satisfacci√≥n no fue el √ļnico sentimiento que me provoc√≥. Tensi√≥n. Sal√≠ agarrotado de la sala de cine, como si algo me hubiera hecho estar m√°s atento. Nolan y su equipo mediante recursos audiovisuales hab√≠an provocado esa reacci√≥n en m√≠.

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Miércoles, 25 de octubre de 2017

Nada es lo que parece

Entrada realizada por Mercedes Garrote Palomar y publicada el 29 de septiembre de 2017 en su blog de trabajo.

Es irrefutable que tras la llegada de la Era Digital el mundo ha cambiado, alterando contextos y lenguajes. En la actualidad, estamos acostumbrados a ver fotografías impactantes: con el color como motivo principal, modelos con poses imposibles, localizaciones imaginarias y combinaciones de retoques digitales paranormales.

Pero no todas las imágenes son lo que parecen. Un ejemplo es la fotografía de Chema Madoz, que no solo se diferencia por su peculiar estética, también destaca por sus métodos a la hora de realizarlas

Chema Madoz

Chema Madoz es considerado un poeta fotográfico, sus imágenes son iconos que llaman a la inteligencia del espectador. Sus obras están compuesta por objetos, en su gran mayoría dos, a los que les da una vuelta de tuerca. Los elementos que utiliza son cotidianos pero él nos los muestra totalmente descontextualizados creando una abstracción al observar sus imágenes.

Descubrir qu√© hay tras sus fotograf√≠as se convierte en un juego para el espectador. Sus obras son para entender, no para sentir. Cuando observas una de ellas te quedas un rato intentando comprender, en el momento que lo consigues buscas c√≥mo ha podido llegar hasta ah√≠. Despu√©s, te repites a ti mismo lo maravilloso que es. El juego mental llega a ser el mismo proceso que sigue el autor pero a la inversa. Chema construye poes√≠a e incluso, en muchas ocasiones, van cargadas de un toque de humor que recuerda a las greguer√≠as de Ram√≥n G√≥mez de la Serna. Tanto es as√≠ que ha formado parte de la edici√≥n de sus √ļltimos manuscritos. Y como si de un puzzle se tratara, encajan a la perfecci√≥n.

Aunque Madoz, en ocasiones, se ha mostrado un poco escéptico con las comparaciones con Gómez de la Serna, ya que en ciertos momentos ve su humor demasiado evidente. Madoz ha realizado a lo largo de su carrera numerosas exposiciones de sus fotografías e incluso en alguna ocasión le han sugerido que sus objetos sean exhibidos, sin embargo, él no se considera un escultor sino un fotógrafo. Un fotógrafo que defiende el uso del menos es más. Puesto que él tan solo utiliza su cámara analógica y un fotómetro. Considera que de esta manera muestra mayor realidad y refuerza la sencillez estética de sus imágenes. Algo fundamental en su belleza es el recurso del blanco y negro, el cual ordena y aleja de lo real. Madoz defiende que la utilización del color distraería y cambiaría el significado de muchas de sus obras. Con sus obras consigue otorgar de significado a objetos inertes, creando una poesía casi a la altura de Borges y sus reflexiones sobre el tiempo.

Chema Madoz
En ocasiones conducimos nuestra mirada y con ello nuestros pensamientos en la misma dirección que el resto. Nos dejamos llevar por las modas y olvidamos que nada es lo que parece. Como vemos en las obras de Madoz, no hace falta el mejor equipo técnico, ni largas horas de edición, ni lugares increíbles para crear las mejores fotografías. A veces basta con aislarse del mundo que vivimos y recuperar la mirada infantil.



Referencias


S√°bado, 21 de octubre de 2017

¬ŅQuemar o no quemar?

Entrada realizada por Belén Fernández García y publicada el 25 de septiembre de 2017 en su blog de trabajo.

Infantil

Falla Infantil-Plaza del Ayuntamiento (Belén Fernández García)


 

Declaradas Patrimonio Inmaterial de la Humanidad en 2017, las Fallas, siguen generando amplios debates sobre su insólito desenlace.

Las fiestas valencianas que en su origen ten√≠an el fin de celebrar el inicio de la primavera, dejando paso a lo nuevo al quemar lo viejo, han ido transform√°ndose de diferentes formas a lo largo de los a√Īos. Actualmente, son los monumentos falleros o fallas, los que recogen la esencia de lo que fueron anta√Īo estas fiestas. A trav√©s de estos, se satiriza sobre la actualidad de la sociedad desde la visi√≥n del pueblo. M√°s tarde, se queman para simbolizar el fin de algo que debe cambiar, es decir, con el fuego se pretende acabar con lo viejo para dar paso a lo nuevo, a un cambio, igual que en sus or√≠genes.

En este punto es cuando surge el debate: ¬Ņdeber√≠an quemarse los monumentos? o, ¬Ņconservarse dada su importancia social, su belleza art√≠stica y su trabajo?

No resulta complicado explicar por qu√© se acaban quemando lo que generalmente se consideran ‚Äėobras de arte‚Äô, como ya se ha mencionado anteriormente, lo realmente dif√≠cil es llegar a comprender por qu√© se hace. Y en esto, entra en juego el contexto, como bien dice la artista fallera Anna Ru√≠z:

¬ęTambi√©n entiendo falla como el momento en el que se corta la ciudad, sus calles, y se introducen elementos que interrumpen la cotidianidad. Si no se da ese contexto, con la m√ļsica y otros elementos, no lo es [‚Ķ] En otro contexto, es una instalaci√≥n, no es falla¬Ľ.

Por esta raz√≥n, la gente ajena a Valencia o a sus tradiciones y costumbres, no termina de comprender el verdadero significado de las fallas. Lo m√°s o√≠do entres los falleros cuando se les pregunta qu√© son o por qu√© se queman, es: ¬ętienes que vivirlo para entenderlo¬Ľ. Para ellos, es una forma de vida, un sentimiento que va m√°s all√° de lo que se puede explicar con palabras. Pablo Mazo, Director de Relaciones Internacionales de Heineken Espa√Īa, lo resume de una manera muy acertada en el siguiente v√≠deo: ¬ŅPor qu√© se queman las fallas?

¬ęlos valencianos dicen que las fallas se queman por motivos fundamentalmente emocionales, mucho m√°s que racionales¬Ľ.

Por el contrario, los turistas son los que se mantienen m√°s esc√©pticos a esta teor√≠a y se quedan √ļnicamente con lo que ven, con los monumentos y la locura que supone para ellos que, semejantes creaciones tan costosas, acaben reducidas a cenizas. C√≥mo todo el trabajo y la inversi√≥n que supone su elaboraci√≥n puede destruirse de una forma tan simple y que eso sea motivo de celebraci√≥n, es lo que resulta dif√≠cil de comprender por muchas formas en las que se explique.

Bajo estos pretextos, siempre habr√° diversidad de opiniones y ser√°n tanto valencianos como turistas los que sean a la vez detractores y amantes de las fallas. Todo depender√° del punto de vista y del sentimiento que se llegue a alcanzar con los monumentos y las fiestas que los envuelven.

 

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S√°bado, 21 de octubre de 2017

A qu√© se llama ‘arquitectura posmoderna’

AT&T Building / Sony Tower en Nueva York. Philip Johnson + John Burgee (1984). Foto © David Shankbone, 2007

The Seagram Building en Nueva York. Ludwig Mies van der Rohe + Philip Johnson (1958). Foto cortesía de 375parkavenue.com

 

Me gusta el edificio de Johnson & Burgee (izq.) y la fotografía de Shankbone me parece excelente. El edificio es espectacular desde su impresionante arco de entrada hasta su remate, que a los especialistas les recuerda por su detalle al trabajo del ebanista Thomas Chippendale. Aunque a mi lo que más me gusta es que desborda cadencia clásica desde la cabeza hasta los cimientos. Aunque resulte paradójico, esta estética clásica es precisamente, lo que lo convierte en uno de los ejemplos más relevantes de la arquitectura posmoderna. Por qué digo paradójico; pues porque cuando en la historia del pensamiento hablamos de posmodernidad nos referimos a un movimiento que se opone a la legimitidad de la Razón Ilustrada porque (a) fractura la idea moderna de una Verdad absoluta y eterna, y (b) plantea la legitimidad de las, diríamos, verdades contextualizadas. Lo paradójico del uso del adjetivo posmoderno en arquitectura reside en que en humanidades y ciencias sociales se suele vincular, siquiera a bote pronto, lo moderno con lo clásico.

Pero claro, cuando trasladamos la pluralidad de legitimidades –fundamento posmoderno clave– a la arquitectura encontramos que existen como m√≠nimo dos verdades que son absolutas y eternas: las leyes de la f√≠sica (“las cosas se caen si no est√°n sujetas”) y la resistencia de los materiales (“las cosas se rompen si se les fuerza demasiado”). Estas dos leyes impiden que los arquitectos posmodernos se sientan legitimados a plantear su verdad como autorizada. A los que as√≠ han interpretado el posmodernismo, por ejemplo Calatrava, el implacable paso del tiempo los resit√ļa.

Por esto cuando se habla¬†de¬†arquitectura posmoderna¬†la mayor√≠a de autores se refiere exac-ta-men-te a su etimolog√≠a: o sea, a lo que viene despu√©s de (o se opone a) lo moderno. Luego la pregunta correcta no es tanto qu√© es lo posmoderno sino qu√© es lo moderno en arquitectura. Lo moderno, o para ser m√°s precisos el movimiento moderno en arquitectura, se rige por los principios racional-funcionalistas establecidos por la Bauhaus (1919 – 1933)¬†, aquella escuela ideada por Walter Gropius que revolucion√≥ la historia de la arquitectura y el dise√Īo, y de la que Mies van de Rohe fue director desde 1930 hasta su cierre por los nazis en 1933: austeridad en los costes, comprensi√≥n visual del edificio desde el exterior (o sea, que se viera o intuyera cu√°l era su funci√≥n), tratamiento integral de la construcci√≥n (desde la estructura hasta la decoraci√≥n interior), utilizaci√≥n de nuevos materiales (vidrio, hormig√≥n y acero). A lo largo de su carrera, Mies fue fiel a las m√°ximas de que “menos es m√°s” y de que “la forma sigue a la funci√≥n”. Ambos principios lo convirtieron en una figura relevante del Estilo internacional junto a Le Corbusier, Niemeyer, Saarinen entre otros. Dicho de manera muy resumida, el estilo internacional (d√©cada 50 y 60) a√Īade a los principios racional-funcionalistas por un lado la arquitectura en m√≥dulos que permit√≠a la reproducci√≥n de las construcciones a bajo coste y, por otro y derivado de lo anterior, la preocupaci√≥n social del arquitecto-urbanista que reivindica la capacidad que tiene la arquitectura para ordenar el territorio¬†y influir en la calidad de vida de los ciudadanos. Pues bien, contra estas posiciones surge el posmodernismo en la arquitectura. Frente a la preeminencia de la funci√≥n sobre la forma, Johnson plantea que la “forma sigue a la forma, no a la funci√≥n”. Una posici√≥n que, en definitiva, reivindica la figura del arquitecto-artista y de su capacidad creativa.

Pues bien, si ahora miramos el Seagram Building (dcha.) dise√Īado por Ludwig Mies van der Rohe, y en el que tambi√©n particip√≥ Philip Johnson, observamos las diferencias en el planteamiento est√©tico (por supuesto no puedo entrar en cuestiones t√©cnicas). En el Seagram, Mies ense√Īa con descaro la estructura de 38 pisos y presenta el edificio como una unidad. Por su parte, Johnson subraya la verticalidad de la AT&T Tower (hoy Sony Tower) a√ļn manteniendo la tripartici√≥n de la arquitectura cl√°sica en base (una espectacular entrada), fuste (unas interminables pilastras que encuadran las ventanas y unifican los 197 pisos apenas divididos por unos frisos t√≠midamente se√Īalados) y remate con un espectacular front√≥n. El dise√Īo de¬†Mies, considerado una de obra maestra de la arquitectura, es un ep√≠tome del estilo internacional y de los principios funcionalistas; aunque tambi√©n por lo mismo, un ejemplo de¬†la¬†descontextualizaci√≥n (el edificio podr√≠a estar en cualquier parte del mundo) que caracteriz√≥ al estilo internacional. Por cierto Johnson & Burgee son tambi√©n los responsables de las Puertas de Europa (conocidas como Torres Kio) en Madrid, 1989-1996.

P√°ginas recomendadas:

 

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Martes, 17 de noviembre de 2015 Sin comentarios

La ‘Casa de la Cascada’ de Wright

La casa m√°s hermosa de Estados Unidos cumple 80 a√Īos

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Martes, 3 de noviembre de 2015 1 comentario

El espect√°culo de la ‘distinci√≥n’

Al hilo de la lectura de Clasismo y televisión por Ruido de Barrio.

Un excelente ejemplo de las posibilidades de investigaci√≥n socio-antropol√≥gica que ofrece la red: el que cada vez m√°s personas puedan opinar sobre casi cualquier cosa de lo que ocurre y se escribe, ofrece al lector cr√≠tico una inmejorable herramienta para el an√°lisis de lo que ocurre. A ‘lo que ocurre’ los m√°s atrevidos lo llaman realidad.

La entrada original del blog ilustra muy bien la distinción de Bourdieu y el papel de la televisión en la reproducción de las imágenes sociales de la estratificación. Por sólo esto merece una lectura.

Pero si adem√°s, le a√Īadimos los comentarios que se hacen en el propio blog y los que hay en el muro de feisbuk del que tomo el enlace, este profesor podr√≠a cubrir sin problema dos meses de clases de “antropolog√≠a social y pol√≠tica”. ¬°L√°stima que no pueda darse m√°s!

Recomiendo –como nunca–que le dediques media hora a deleitarte en la lectura critica de la entrada y, sobre todo, los comentarios en el blog y en el feisbuk.

S√°bado, 17 de octubre de 2015 Sin comentarios

La silla de Bach: la historia de Glenn Gould

En el mundo del arte hay elementos que personifican al artista y le sobreviven. En cierto modo, tanto el mercado de las subastas como la idea de musealizaci√≥n se nutren de la curiosa naturaleza simb√≥lica –incluso m√°gica–que adquieren los objetos que han estado en contacto con determinadas individualidades.

Bach seat: the story of Glenn Gould’s chair by Scott Tresham

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S√°bado, 10 de octubre de 2015 Sin comentarios

Sebasti√£o Salgado

¬ŅArte o denuncia? Una reflexi√≥n sobre el dilema √©tico que abre la fotograf√≠a que muestra las miserias de la humanidad

Sebasti√£o Salgado: entre la fama y la sospecha

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Martes, 8 de septiembre de 2015 Sin comentarios